viernes, 15 de agosto de 2025
martes, 29 de julio de 2025
Fotografía artística
Tema: Fotografía artística
Competencia: Compone estéticamente las fotografías y emplea los estilos fotográficos en la toma de capturas a fotográficos
Evidencia de aprendizaje: MANEJA LA FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA COMO HERRAMIENTA DE EXPRESIÓN CONTEMPORÁNEA
Desarrollo de la clase:
La Fotografía Artística: Imagen, Intención y Expresión
La fotografía artística es una forma de expresión visual que utiliza el medio fotográfico no solo para capturar la realidad, sino para interpretarla, transformarla o cuestionarla. A diferencia de otras ramas de la fotografía como el fotoperiodismo o la fotografía publicitaria —que buscan informar o vender—, la fotografía artística nace de la intención personal del autor y tiene como propósito generar una experiencia estética, emocional o intelectual en el espectador.
Orígenes y evolución
Desde su invención en el siglo XIX, la fotografía fue vista en sus inicios como una herramienta técnica para representar el mundo con exactitud. Sin embargo, muy pronto algunos fotógrafos comenzaron a explorar sus posibilidades creativas y expresivas. Movimientos como el pictorialismo, a finales del siglo XIX, buscaron elevar la fotografía al nivel de las bellas artes imitando estilos pictóricos.
Con el tiempo, la fotografía se liberó de la imitación y comenzó a desarrollar su propio lenguaje. En el siglo XX, figuras como Man Ray, Cindy Sherman, Diane Arbus o Andreas Gursky redefinieron lo que una fotografía podía ser: un juego surrealista, una crítica social, una narración fragmentada o una reflexión sobre el espacio.
Elementos esenciales
La fotografía artística se distingue por varios elementos fundamentales:
Intención autoral: el fotógrafo parte de una visión, un concepto o una pregunta. Cada imagen es pensada, no solo tomada.
Estética personal: se busca un estilo, una atmósfera o una forma de mirar única.
Narrativa o simbolismo: muchas veces las imágenes cuentan una historia, crean una metáfora o sugieren algo más allá de lo visible.
Experimentación: en la forma (composición, luz, color), en la técnica (cámara, edición, soportes) o incluso en los temas.
Temas y enfoques
La fotografía artística puede abordar cualquier tema: la intimidad, el cuerpo, la identidad, el paisaje, la ciudad, el tiempo, los sueños, la memoria… Algunos artistas crean series conceptuales, otros se centran en un enfoque formal o abstracto. También se mezcla con otras disciplinas como el videoarte, la instalación o el arte digital.
Fotografía artística contemporánea
En la actualidad, la fotografía artística es una parte importante del arte contemporáneo. Se exhibe en museos, galerías, ferias de arte y espacios alternativos. La llegada de la fotografía digital ha ampliado las posibilidades expresivas, permitiendo manipular las imágenes y jugar con nuevas narrativas visuales.
Además, el acceso a cámaras en celulares y plataformas como Instagram ha democratizado la producción de imágenes, planteando nuevos debates sobre lo artístico en la era digital y la diferencia entre arte y consumo visual masivo.
La fotografía artística es un lenguaje complejo y profundamente humano. No se trata solo de lo que se ve, sino de lo que se siente, se piensa y se cuestiona. Es una forma de mirar el mundo con otros ojos y de transformar lo cotidiano en algo extraordinario. En ella, cada imagen es una obra que habla desde el silencio, que invita a detenerse, observar y descubrir.
Inicios y evolución de los planos en el cine
Tema: Los planos en el cine
Competencia: Compone estéticamente las fotografías y emplea los estilos fotográficos en la toma de capturas a fotográficos
Evidencia de aprendizaje: RECONOCE EL CINE COMO PARTE DE LA HISTORIA DEL ARTE
Desarrollo de la clase:
Inicios y evolución de los planos en el cine
Los comienzos del cine (finales del siglo XIX y principios del XX)
Cuando nació el cine, a finales del siglo XIX, las películas eran muy simples: la cámara se ponía en un solo lugar, y se grababa todo como si fuera una obra de teatro. Estos primeros filmes tenían un plano general fijo, donde los personajes entraban y salían del cuadro. Ejemplo: los hermanos Lumière con su película La salida de los obreros de la fábrica (1895).
Georges Méliès y la magia del encuadre
En los años 1900, Georges Méliès, un mago convertido en cineasta, empezó a experimentar con trucos visuales, efectos especiales y encuadres más creativos. Aunque sus películas aún usaban pocos planos, ya se notaba la intención de cambiar el punto de vista.
La evolución durante el siglo XX
Años 1920-1930: Con el cine mudo y después el cine sonoro, los directores empezaron a usar la cámara de forma más libre, moviéndola y eligiendo planos más expresivos.
Años 1940-1950: En el cine negro y el cine clásico de Hollywood, los planos se usaban para crear suspenso, drama o romance. Las reglas del lenguaje visual se volvieron más claras y se enseñaban en todas partes.
Años 1960-1970: Con el cine de autor y el cine europeo, los directores empezaron a romper las reglas y a experimentar con planos muy largos, planos subjetivos, cámara en mano o planos secuencia.
Años 1980 en adelante: Con los avances tecnológicos (como las cámaras ligeras, el steadycam y luego lo digital), los planos se volvieron aún más variados, dinámicos y creativos.
La era digital y actual
Hoy en día, los planos pueden crearse incluso con drones, cámaras 360° o efectos por computadora. En el cine moderno, se mezclan estilos y técnicas del pasado con nuevas tecnologías, creando una gran libertad visual. Directores como Christopher Nolan, Greta Gerwig, Alfonso Cuarón o Bong Joon-ho dominan los planos como parte fundamental de la narrativa.
Los planos en el cine han evolucionado desde una cámara fija hasta una herramienta poderosa de narración visual. Han pasado de ser algo técnico a convertirse en parte esencial del arte de contar historias con imágenes.
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